Первые шаги фотоискусства. Фотоателье как театр и галерея

Среди первых дагеротипов преобладали пейзажи и натюрморты (жанровая структура и терминология в фотографии были заимствованы из области изящных искусств). Из-за несовершенства оптики и фотоматериала фотографируемому приходилось сидеть неподвижно 15— 20 минут под лучами солнца. Чтобы облегчить участь модели, были придуманы подпорки для спины и рук, а также «головодержатели» — специальные захваты для головы. С появлением нового объектива и применением брома вместо йода выдержку удалось сократить до 15— 20 секунд. Поэтому 1841 год можно считать временем рождения портретной фотографии. С этого момента число фотоателье резко возрастает. По данным отдела гелиографии Промышленной выставки 1849 г. в Париже, в то время ежегодно выполнялось до 100 тыс. дагеротипных портретов.


Дагеротипы были, как правило, небольшими. Иногда их оправляли наподобие драгоценных живописных миниатюр в кулоны, небольшие рамочки, вирировали золотом, раскрашивали. Для хранения использовали закрытые предохраняющие от света и окисления на воздухе футляры (нередко обитые бархатом изнутри).


Период мокроколлодионного способа — 1851 — 1880 гг. — стал расцветом портретной студийной фотографии. Почти все фотографы-профессионалы в те годы были преимущественно художниками, граверами, литографами, т.е. людьми, знакомыми с искусством и приемами композиции, освещения, принятыми в живописи.



Рис. 11
Съемка в фотоателье
в середине XIX в.
Портретируемые одеваются
в экзотические или
этнические костюмы


Техника увеличения отпечатков была еще слабо разработана. Для того чтобы сделать большую фотографию, требовалась пластинка формата 30x40, 50x60 см и более. Соответственно увеличивались и размеры фотоаппаратов.


Первоначально общий вид мастерской фотографа (за исключением, пожалуй, темной комнаты, сложной системы штор на окнах для управления светом и деревянной камеры на деревянном штативе) почти ничем не отличался от ателье художника-живописца. Укоренилось и само название — «фотоателье».


Студийная фотография подражала живописи не только в устройстве ателье, но и в организации кадра, расстановке объектов съемки. Такой подход к фотографированию порождал целый ряд специфических именно для фотографии вещей и оборудования (рис. 11).


Героем этого первого этапа фотографии был, несомненно, Феликс Надар (псевдоним венгерского художника, мастера диорам Гаспара Феликса Турнашона, приехавшего в юности в Париж). До того как в 1853 г. заняться фотографией, был журналистом и карикатуристом. В 1860 г. открыл собственное ателье. Выполненные им замечательные по глубине психологические портреты деятелей культуры (Дюма, Гюго, Домье, Берлиоза, Россини, Сары Бернар) создали ему широкую клиентуру.


В 1874 г. Надар предоставил свое просторное фотоателье на бульваре Капуцинов для выставки, на которой демонстрировалась картина К. Моне «Впечатление. Восход солнца». Эта картина и дала название направлению «импрессионизм» (от франц. Г impression — впечатление).


Самый известный российский художник-фотограф XIX в. — Андрей Карелин. Окончив Академию художеств (учился вместе с И. Крамским), он вернулся в родной город — Нижний Новгород и открыл фотоателье. Карелин пользовался мокроколлодионным способом, т.е. съемкой на свежеприготовленную пластинку большого формата — до 50x60 см. Его снимки — сюжетные постановочные


картины, по тематике близкие живописи передвижников. Среди жанровых сценок, созданных им в 1870-х гг., — «Подаяние». «Уличные музыканты», «Путешественники», «Сватовство». В качестве персонажей он использовал своих знакомых и близких — жену, дочерей, нередко позировал сам. Он мастерски строил композиции, пользуясь литературной основой при выборе аксессуаров, костюмов, поз, освещения.


Карелин известен и как портретист, и как фотограф-документалист. По заказу городской управы он снимал виды Нижнего, Кремль, пристани, пароходы на Волге. Его снимки — это историческая энциклопедия конца XIX в.


До начала XX в. наиболее распространенной продукцией массовых фотоателье были кабинетные портреты размером 10x16 см и небольшие визитки — примерно 9x5 см. Отпечатки тщательно наклеивались на плотный картон. На обороте типографским способом размещалась информация об ателье, включая награды на выставках. Постоянно повторялась фраза: «Негативы хранятся». Это означало, что в любой момент клиент мог повторить понравившийся отпечаток, заказать еше одну партию визиток. Именно эти крошечные фотопортреты и стали прототипом современных визитных карточек.


В своей студии, наполненной всевозможным реквизитом (мебелью, утварью, костюмами разных народов), фотограф мог воспроизвести практически любой тип пейзажа или интерьера для фона. В каталоге фотографического оборудования, выпущенном в начале XX в. в России торговой фирмой «И.К. Гек», приводились примеры фонов: «Беседка», «Море (несколько состояний)», «Аэроплан», «Автомобиль» — и фрагменты интерьеров различных эпох и стилей. Профессиональный фотограф, исходя из традиций культуры живописи, всегда ставил портретируемых на среднем плане — между плоским фоном (который на фотографии создавал иллюзию бесконечного пространства) и каким-либо реальным фрагментом среды (например, садовая скамейка, перила или калитка, валун, декоративное растение). Предмет на первом плане служил точкой отсчета глубины иллюзорного пространства и был как бы пластическим подтверждением реальности плоского, условного фона. Вся эта ситуация напоминала статичный театр, где человек играл роль, придуманную для него фотографом.

Читать далее: 1 2



реклама